Les sculptures Lego de Nathan Sawaya

Nathan Sawaya est un artiste concevant ses oeuvres uniques avec des cubes de lego, allant des chiffres angoissés à un énorme T-rex, environ 80 sculptures réalisées à partir de plus d'un million de briques. Cet artiste est le premier à craintes sculpture en briques de Lego.

Alors que c'est sans doute un exploit d'ingénierie, l'artiste new-yorkais, révèle qu'il a d'autres raisons d'utiliser Lego. «Je voulais faire de l'art très accessible, quelque chose que tout le monde de la famille pourrait se rapporter à, et je pense que Lego est ce type de milieu," dit-il.


















Ses réalisations sont pour lui l'image de ses sensations, ses sentiments, ses voyages ou encore ses émotions c'est pour lui quelque chose de très personnel, il cherche à amener tout spectateur à son enfance en plus de faire comprendre son oeuvre.

Une exposition de ses oeuvres à lieu chaque année en Amérique du Nord, en Australie ou en Europe, "The Art of The Brick", 

Nathan Sawaya a acquis une position de leader dans le monde de l'art contemporain et a créé une nouvelle dimension en fusionnant Pop Art et le surréalisme en inspirant la crainte et sans précédent des moyens. Son art consiste à jouer avec la matière, la couleur, le mouvement, la lumière et la perspective.

Vidéo "The Art of The Brick"

"Guernica" de Pablo PICASSO

Pablo PICASSO (1773-1881)

GUERNICA a été réalisé par Picasso en 1937. Celui-ci s'est inspiré du bombardement de la petite ville basque de GUERNICA, le 26 avril 1937, par l'aviation allemande au service de Franco. Guernica était une commande du gouvernement républicain espagnol pour le pavillon à l'Exposition Universelle de Paris de juillet 1937.

Picasso, à travers ce tableau, symbolise l'horreur des conflits humains. Il représente cette horreur grâce à l'emploi de formes très crues montrant la cruauté humaine. Le bombardement de GUERNICA fit 2000 victimes essentiellement des femmes et des enfants.

"La peinture n'est pas faite pour décorer les appartements; c’est une arme offensive et défensive contre l’ennemi", c'est ce que déclara Picasso à propos de Guernica. Ce tableau fut composé en quelques jours juste après le bombardement du village espagnol de Guernica par la Légion Condor. Ce tableau fut longtemps conservait au Museum of Modern Art de New York mais en 1981, il retourna en Espagne au musée du Prado. Il se trouve aujourd'hui au Musée National Reine Sophie à Madrid.

Pablo PICASSO, Guernica, 1937

Guernica est une huile sur toile mesurant 7 m 52 de long sur 3 m 51 de largeur. Le tableau est composé de couleurs monochromes symboliques. En effet, cela accentue l'impression de mort. Les formes géométriques, quant à elles, rappellent l'art primitif africain. La toile est découpée en plans triangulaires et se présente comme un montage de l'actualité de l'époque en noir et blanc. Ce découpage du tableau intensifie toute l'horreur de la guerre.

Tout d'abord, au centre du tableau, la lampe. Cette lampe domine la scène. Elle a la forme d'un oeil ce qui peut représenter l'oeil du peintre qui souhaite montrer sa perception de l'événement. Elle peut signifier la lueur d'espoir malgré la tragédie de ce bombardement.

     

 Le taureau à gauche est l'incarnation de la brutalité, de l'obscurité dans la corrida. Dans ce tableau, il représente les Nationalistes dans cette

guerre.

Le cheval, quant à lui, incarne la victime innocente de cette corrida. Les différentes figures de l'animal traduisent la terreur, la douleur. Ce cheval représente le peuple opprimé et les Républicains.

La colombe symbolise la paix. Or ici, elle se situe entre le taureau et le cheval et on peut remarquer qu'elle s'efface dans l'obscurité ce qui signifie que la paix est impossible entre les deux parties, qui s'opposent dans cette guerre, les Républicains et les Nationalistes.

Le fantôme tient dans sa main une bougie. Il montre l'indignation de la communauté internationale qui veut faire la lumière sur ce qui vient de se passer.

La fleur, en bas au centre, symbolise la fragilité, la vie et l'espérance.

La mère à gauche, celle-ci a le sein dénudé et tient un enfant mort dans ses bras. Nous pouvons constater que ses yeux ont la forme de larmes ce qui accentue le désespoir. Ce symbole montre que la maternité est impossible, ainsi quele désespoir des paysans opprimés dans cette guerre.

Le soldat, on le voit l'épée brisée. Il montre la détermination, la valeur, la lutte jusqu'à la mort. Il symbolise l'impossibilité de continuer la lutte, l'inégalité des armes, il est les Républicains. En effet, les républicains n'avaient pas les moyens militaires que possédaient les nationalistes.

La femme qui boîte se situe en bas à droite. Sa blessure à la jambe l'empêche de marcher, elle est fascinée par la lumière de l'ampoule. Elle crie la liberté, l'idéal inaccessible. Malgré son handicap, elle continue de marcher vers la liberté.

Le prisonnier est brulé vif. Nous pouvons constater qu'il implore Dieu le bras levé au ciel. Ses yeux sont en forme de larmes ce qui signifie la souffrance et la douleur.

Guernica est un tableau militant contre le conflit espagnol qui débuta en 1936. Toutefois, malgré ses 68 ans, ce tableau n'a malheureusement pas perdu une ride.

Exposition "Turn me on" chez Christie's, à Londres

Christies's à Londres à présenté "Turn Me On", une exposition de vente privée sur des oeuvres d'art cinétique en Février 2014, cette exposition comportais une soixantaine d'oeuvres de ce courant sous différentes formes venant de l'Europe et de l'Amérique Latine et créées entre 1950 et 1970, qui reflètent les nouvelles tendances artistique et langage visuel exploré dans la période d'après-guerre.
Cette exposition dévoile des oeuvres en mouvement grâce à un moteur avec des miroirs sui tourne, des lumières s'entrelaçant et créent des mouvement surprenant mais on peut y trouver également des oeuvres qui bougent sans moteur par rotation grâce au vent ou une interaction du visiteur. 

Giovanni Anceschi, Tavola di possibilità, 1959

                Vidéo de présentation

Gunther Uecker, New York Dancer, 1965

Le "Monochrome Bleu" d'Yves Klein

Yves Klein surnommé Yves le monochrome, pousse l'expérience de la couleur pur jusqu'à l'un de ses termes. Au-delà de la provocation, sa peinture se charge de force et d'énergie.

Au premier abord, le tableau se présente comme une simple surface de couleur pleine. Il n'est pas collé au mur il s'en détache comme l'a voulu le peintre.

Le bleu outremer est saturé à tel point qu'il en fatigue les yeux. De ce bleu plus que bleu irradie une vibration colorée qui atteint une amplitude maximale.

Alors cette uniformité commence à s'animé. La surface apparaît pelucheuse : trace de rouleau que l'artiste a emprunté au peintre en bâtiment.

Le pigment de couleur prend la consistance d'une grossière toile de coton. Chaque passage du rouleau à laissé des striures légères, qui dessinent d'étrabges paysages dont l'horizon semble flotter. le regard plonge dans une profondeur qui n'appartient pas à l'espace en trois dimensions du quotidien, mais à une dimension supplémentaire que le peintre invite à sonder : la profondeur de la couleur.

Ce bleu hors du commun n'engage pas seulement le regard du spectateur, "c'est l'esprit qui voit avec les yeux". Avec le "monochrome ", l'impact de la couleur reste entier. La couleur est une donnée concrète, mais elle a un effet puissant et instantané sur le mental.

Dans ses tableaux, Yves Klein s'attache à l'apect spirituel autant que physique. Pour lui, la peinture est affaire de méditation, affaire d'"immatériel". Elle échappe à l'espace de la vie quotidienne, pour ouvrir celui de la réflexion.

Yves Klein à été connu grâce à cette toile en particulier  il est né en 1928 et mort en 1962, malgré une carrière artistique courte (1954-1962), il est considéré comme l'un des plus important protagoniste de l'avant-garde (personnes qui entreprennent des actions nouvelles ou expérimentales, en particulier dans les arts et la culture) atistique d'après guerre.

Le Cubisme

Le Cubisme est un courant artistique du XXème siècle, et qui s'est développé dans les années 1906 à 1914 en France particulièrement mais également un peu en Europe. Ce courant à été inventé tout d'abord par Pablo Picasso et Georges Braque et consiste à s'inspirer des oeuvres de Cézanne, c'est un hommage à Cézanne, en laissant de coté la perspective, c'est le cubisme césannien ou précubisme. 

Georges BRAQUE (1882-1963)

Pablo PICASSO (1881-1973)

 Cette période consiste à créer des oeuvres vue de différents point dans le même tableau, c'est à dire que l'on peut trouver par exemple une maison vue de coté et un pont vue de face dans la même oeuvre. Les formes géométriques simple sont aussi une des grandes caractéristiques du cubisme, on voit souvent une simplification des forme par ces géométries.

Pablo PICASSO, Guernica, 1937

Georges BRAQUE, Le Viaduc à L'Estaque, 1908

Il existe trois autres grandes périodes dans le cubisme:

             - Le cubisme fragmentaire ou analytique (1910-1912) on peut le reconnaitre par la suppression des couleurs mais également par sa déconstruction pour en refaire un puzzle.

Georges BRAQUE,  Les Usines du Rio-Tinto à L'Estaque, 1910

Pablo PICASSO, La jeune fille à la mandoline, 1910

        

           

             - Le cubisme synthétique (1912-1914) reconnaissable par sa restitution des couleurs et sont retour à des éléments plus identifiables.

Pablo PICASSO, Nature morte à la chaise cannée, 1912

Juan GRIS, Nature au plat de fruits et à la mandoline, 1919

             - Le cubisme orphique ou l'orphisme (1914-1921) produit par un fractionnement de la lumière et des disques colorés.

Sonia DELAUNAY, Rythme, 1938

Robert DELAUNAY, Tall portuguese woman (1916)

EN SAVOIR PLUS !

Art Surréaliste et Art Contemporain

Le surréalisme est un mouvement littéraire, culturel et artistique du xx^e siècle, comprenant l’ensemble des procédés de création et d’expression utilisant toutes les forces psychiques (automatisme, rêve, inconscient) libérées du contrôle de la raison et en lutte contre les valeurs reçues. En 1924, André Breton le définit dans le premier Manifeste du surréalisme comme un « automatisme psychique pur, par lequel on se propose d'exprimer, soit verbalement, soit par écrit, soit de toute autre manière, le fonctionnement réel de la pensée. Le surréalisme repose sur la croyance à la réalité supérieure de certaines formes d'associations négligées jusqu'à lui, à la toute-puissance du rêve, au jeu désintéressé de la pensée. Il tend à ruiner définitivement tous les autres mécanismes psychiques et à se substituer à eux dans la résolution des principaux problèmes de la vie (xx^e siècle).

L'expression « art contemporain » quant à lui désigne de façon générale et globale l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quels qu'en soient le style et la pratique esthétique. Dans cette classification périodique, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945). Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période.

Vladimir Kush, African Sonata, date inconnu

Chen Wenling, What you see might not be real, 2009

Pour chacun de ces artistes les animaux veulent dire plus que ce qu'il sont et peuvent leur permettre d'évoquer une sensations, une émotions ou bien d'autres choses. 
Chen Wenling critique, à travers des personnages souvent mi-hommes mi-cochons, une société de consommation excessive et incontrôlable. Sa récente oeuvre qui s'intitule "What You see Might Not Be Real" (ce que vous voyez pourrait ne pas être réel) est un critique originale de la crise financière mondiale actuelle. Elle mets en scène un taureau qui représente Wall Street, propulsé par un pet surpuissant, et écrasant contre un mur un personnage mi-homme mi-démon qui n'est autre que Bernie Madoff, le plus grand escroc de l'histoire de la finance. Il a choisit de représenter sa sculpture de cette façon car péter en Chinois se dit se dit "fan pi" mais dans le language courant cette expression est souvent utilisée pour définir un mensonge, une fabulation. Le puissant pet serait donc le grand mensonge du système financier mondiale.
Vladimir Kush représente par sa peinture le chant de la nature, en effet cet énorme éléphant avec une tête en trompette représente son barrissement et le rassemblement des animaux par le chef, ici l'éléphant. Le cerf au premier plan quant à lui une harpe entre les cornes de sa tête et peut représenter la harpe d'Apollon qui utilisais une harpe en corne de cerf.